Les bonnes suites sont rares. Il n’est jamais facile de recréer le breuvage original qui s’est transformé en un grand film. Pour une année donnée, produire ne serait-ce que deux grandes suites est exceptionnel, c’est pourquoi 2017 a été Annus mirabilis pour ces suivis. 2017 a produit cinq suites dans le même genre – action de science-fiction – qui étaient toutes aussi bonnes ou meilleures que toute autre chose dans leurs franchises respectives.
Leur succès initial, ainsi que leur endurance, sont dus à plusieurs facteurs communs, notamment la réalisation de films visionnaires, des effets spéciaux inspirés et des performances engagées d’acteurs célèbres qui n’avaient pas peur de paraître vieux ou faibles alors que leurs personnages luttaient contre des pouvoirs en déclin. Mais, plus que tout, leur triomphe collectif se résume à une approche commune. Ils étaient tous des départs audacieux – narratifs, thématiques, stylistiques, esthétiques – des entrées typiques des franchises qui les ont engendrées.
Logan (3 mars)
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Il n’est pas étonnant que les gardiens de la franchise Indiana Jones se soient enrôlés James Mangold dirigera Harrison Ford, 79 ans, dans la cinquième entrée de la série. Ce n’est pas n’importe qui qui va remplacer Steven Spielberg. Même si le célèbre réalisateur de HE et la liste de Schindler a trébuché avec Indiana Jones et le Royaume du Crâne de Cristal, il est toujours l’un des plus grands de tous les temps. L’embauche de Mangold témoigne du travail fantastique qu’il a fait avec Logan — le dernier film de la trilogie Wolverine, elle-même dérivée de la série X-Men – mettant en scène deux légendes vieillissantes jouant deux légendes vieillissantes : Hugh Jackman dans Logan/Wolverine et Patrick Stewart dans Charles Xavier/Professeur X.
Mangold avait réalisé le précédent film Wolverine, se déroulant au Japon, qui a obtenu des critiques décentes et présente de superbes séquences, dont un hommage à Akira Kurosawa Trône de sang, avec Wolverine rempli de flèches. Mais le film est toujours dans le domaine de la bande dessinée, un domaine à partir duquel Logan décide de partir en mettant en scène et en filmant ses événements avec un réalisme granuleux (y compris des représentations réalistes de ce qui arrive aux corps humains lorsque quelqu’un les déchire avec des griffes d’adamantium).
En 2029, les mutants sont pratiquement éteints et Logan, Xavier et Caliban (Stephen Merchant) dérivent jusqu’à la fin de leurs jours. Lorsqu’une jeune mutante en détresse (Dafne Keen) arrive à leur porte, elles redécouvrent un but commun. Mangold (qui avait auparavant réalisé un remake de 3h10 à Yuma) raides Logan en Occident en évoquant ShaneMéditation classique de George Stevens de 1953 sur la brutalité de la violence qui relate également la survie d’une famille de fortune.
Les teintes audacieuses et l’éclairage à contraste élevé du film étaient si beaux que Mangold a également publié une superbe version noir et blanc du filmqui, le cas échéant, évoque encore plus dramatiquement les thèmes austères du film. Logan est de loin le meilleur film X-Men, ce qui ne dit pas grand-chose, mais c’est aussi la suite rare qui peut se suffire à elle-même.
Guerre pour la planète des singes (14 juillet)
La principale raison du succès de la plus récente Planète des singes série – en plus d’un cinéma spectaculaire – est que chaque film trouve un ton et une approche différents de celui qui l’a précédé. L’Ascension de la Planète des Singes (2011) est une histoire d’origine classique mettant en scène une histoire d’amour familiale touchante entre un homme et un singe qui dément l’horreur de la société qui se détériore autour d’elle.
La suite, L’aube de la planète des singes (2014), se déroule dans une apocalypse post-virale dans laquelle les vestiges chaotiques de la civilisation humaine sont juxtaposés aux forêts luxuriantes du nord de la Californie où les singes veulent juste vivre en paix. En présentant la civilisation des singes, Aube permet également à cette série de s’affirmer comme l’un des exploits les plus étonnants d’effets visuels jamais commis au cinéma. Il présente également Andy Serkis, qui joue le chef des singes, César, comme l’un des plus grands acteurs du cinéma vivant.
Tout – les effets visuels, la construction du monde, les performances, en particulier celui de Serkis – se surpasse une fois de plus dans le troisième film, qui se penche davantage sur la beauté presque picturale, ainsi que sur la politique progressiste sous la forme d’une critique brûlante du bellicisme américain et xénophobie de la construction de murs (tout cela peut expliquer pourquoi cette entrée a fait moins de box-office national que ses prédécesseurs.).
Le film poursuit également la tendance de la série à se pencher sur différents genres pour donner une nouvelle tournure à la narration. Guerre est un film de voyage, un film d’évasion de prison et un riff sur Apocalypse maintenant, avec Woody Harrelson faisant écho à l’homicide du colonel Kurtz de Marlon Brando dans ce film. Enfin, le film est une allégorie biblique, avec César dans le rôle de Moïse conduisant son peuple vers la terre promise, un long voyage en trilogie qui se termine par un joli tableau pastel annonçant l’espoir.
Blade Runner 2049 (6 octobre)
Si quelqu’un n’en était pas convaincu il y a cinq ans, il est assez clair que ce film est tout sauf un chef d’oeuvre pour ses visuels extraordinaires et ses thèmes émouvants sur le sacrifice et la nature de l’identité humaine. L’original de Ridley Scott Coureur de lame (1982) était devenu si distinctif, influent et célèbre au cours des décennies depuis qu’il a été déclaré un flop pour la première fois, il a fallu beaucoup de courage pour envisager de le suivre, d’autant plus que la star du film, Harrison Ford, s’est plaint à plusieurs reprises de ce qu’un misérable temps qu’il a eu pour le faire. Le réalisateur Denis Villeneuve a avoué fouler le « territoire sacré » même s’approcher d’une suite, et cela aurait sûrement pu être une grande folie. Au lieu de cela, lui et ses collaborateurs (en particulier le directeur de la photographie Roger Deakins, qui a remporté un Oscar attendu depuis longtemps pour le film) ont contribué une œuvre majeure au cinéma.
En accord avec notre thème, Coureur de lame 2049 a fait deux écarts clés par rapport à l’original qui ont assuré son succès artistique. Il a élargi les environnements, s’éloignant des profondeurs urbaines sombres du centre-ville pluvieux de Los Angeles pour révéler beaucoup plus du monde de l’histoire, y compris un Las Vegas rendu invivable par l’explosion d’une bombe sale, une digue gargantuesque retenant la montée de l’océan et le ville anciennement connue sous le nom de San Diego servant maintenant de dépotoir massif.
Le deuxième départ consistait à lancer Ryan Gosling dans le film en tant que Blade Runner de nouvelle génération, l’agent K, chassant les anciens modèles Replicants (comme celui joué par Dave Bautista), et à faire en sorte que le récit retrace son arc pour devenir humain. Pendant ce temps, Ford en tant qu’OG Rick Deckard apparaît si tard dans l’image, nous oublions presque qu’il est dedans. Lorsqu’il apparaît, cependant, le film relie élégamment l’histoire de Deckard à celle de K et offre une fin profonde et émouvante dans laquelle Villeneuve rend hommage à les dernières scènes de Kurosawa Ikiru, également sur un homme qui découvre son humanité avant de mourir dans la neige. (Comme avec Le gloutonmentionné ci-dessus, évoquer Kurosawa doit être le mouvement par défaut pour signaler une ambition artistique sérieuse.)
Comme l’original Coureur de lame, BR 2049 était un “flop” financier, mais aussi comme son prédécesseur, il est destiné à une place élevée dans le canon de la science-fiction sérieuse, atteignant les générations à venir.
Thor : Ragnarök (3 novembre)
Si personne n’a encore dit : « Si tu veux un nouveau regard sur quelque chose, donne-le à un Kiwi », alors je le dis ici ! Comme c’est un hasard pour Marvel Studios que le scénariste/réalisateur néo-zélandais, et merveilleux homme-de-ville Taika Waititi était à la hausse juste au moment où ils avaient besoin d’une nouvelle voix pour donner vie à une série turgescente qui avait pratiquement échoué avec le léthargique Thor: Le Monde des Ténèbres.
Waititi a jeté un coup d’œil au matériel, a décidé que cela devrait être beaucoup plus amusant, et chacun de ses instincts s’est avéré être exactement ce dont il avait besoin. Ragnarök est hilarant, visuellement époustouflant, sexy, campy, réconfortant, bourré d’action et rythmé. Il embrasse de manière significative les relations héritées – entre Thor (Chris Hemsworth) et Loki (Tom Hiddleston); les deux fils et leur père, Odin (Anthony Hopkins) ; et Thor et Hulk (Mark Ruffalo) – tout en introduisant de nouveaux personnages formidables.
Cate Blanchett est une huée en mode vampire entièrement vêtu de cuir en tant que Big Bad, tandis que Tessa Thompson en tant que Valkyrie ivre et apathique est immédiatement devenue l’un des personnages les plus attrayants du MCU. Ajoutez Jeff Goldblum en train de faire du Goldblumian shtick dans une ombre à paupières sombre et vous venez de barrer neuf des 12 choses que chaque film devrait à peu près toujours contenir – à tel point qu’à chaque fois que je regarde ce film, je me pose la même question : pas plus de blockbusters comme Thor : Ragnarök ? Il n’est pas surprenant que Marvel ait ramené Watiti pour la quatrième entrée, Thor : Amour et Tonnerre.
Star Wars : Les Derniers Jedi (15 décembre)
Il n’y a pas grand-chose de nouveau à dire sur ce film qui n’a pas été exposé à l’infini au cours des cinq dernières années dans le bras de fer des opinions dissidentes entre les camps de fans, qui incluent les opinions de cet écrivain. Étant donné que les films Star Wars ont tendance à être comparés exclusivement les uns aux autres, plutôt qu’au cinéma en général, le débat sur la valeur a tendance à porter moins sur les notions conventionnelles de bien et de mal et plus sur les épisodes qui expriment le mieux le Star Wars-ness de Star Wars. Certes, le tumulte autour Le Dernier Jedi – et les suites en général – s’est concentré sur cela.
Quels éléments traduisent le mieux l’esprit Star Wars de Star Wars peuvent être difficiles à identifier. La magie qui génère Star Wars, qui fait que nos cœurs s’accélèrent même à moitié en l’apercevant sur un téléviseur alors que nous nous promenons dans un Best Buy, est dans la fusion, pas dans les ingrédients individuels. JJ Abrams évoque le breuvage à des moments occasionnels, et même pour une séquence prolongée ou deux, dans le réveil de la force. Malheureusement, sa sorcellerie naissante n’était pas à la hauteur du véritable pouvoir obscur de l’univers Disney Star Wars : les impératifs commerciaux qui appelaient à une intrigue si calculée et dérivée.
Le Dernier Jedi est également dérivé. C’est juste dérivé d’une manière beaucoup plus réfléchie, originale et subversive que le réveil de la force. Star Wars est désormais son propre genre. Et la clé de la popularité soutenue de tout genre est la nouvelle évocation des tropes de genre. L’un des tropes que le réalisateur Rian Johnson met à jour est les influences du film Samurai qui ont inspiré Star Wars depuis le début. Et oui, nous sommes de retour à Kurosawa une fois de plus ! Le maître japonais a eu une influence majeure sur George Lucas, notamment avec son film, La forteresse cachée.
Le design Samurai est évident partout Le Dernier Jedidans le duel Snoke/Rey/Kylo Ren Throne Room, avec ses masques et robes fluides et ses fonds rouge sang rappelant le drame nô japonais que Kurosawa avait évoqué dans Trône de sang. L’esthétique des samouraïs prédomine également dans les scènes Jedi/moine entre Luke Skywalker (Mark Hamill) et Rey (Daisy Ridley), ainsi que dans la confrontation décisive de Luke avec Kylo Ren (Adam Driver). L’île d’Ahch-to, bien que tourné au large de la côte ouest de l’Irlande, pourrait facilement doubler pour le Japon. Son terrain rocheux balayé par la pluie et ses structures en ruine rappellent l’ouverture de Kurosawa Rashomontandis que les triples chignons de Rey évoquent Toshiro Mifune de plusieurs de ses films de samouraï.
Comme pour tous les films de notre année vantée de suites de science-fiction, à la fois le succès initial et l’acclamation continue de Le Dernier Jedi sont dus à son départ audacieux du matériel source de manière clé. L’approche commune de ces films en a fait de grandes expériences cinématographiques à part entière, ainsi que des exemples supérieurs de leurs franchises respectives.
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